Γιατί τα μουσεία μετατρέπονται σε διαδραστικά θεάματα – Η νέα εποχή της τέχνης
Αν έχεις επισκεφθεί πρόσφατα ένα museum of illusions ή κάποιο παρεμφερές, είναι σχεδόν βέβαιο πως η αίσθηση που αποκόμισες θύμιζε περισσότερο ένα θεματικό πάρκο για ενηλίκους παρά τα παραδοσιακά μουσεία που είχες συνηθίσει να επισκέπτεσαι από παιδί. Περιπλανιέσαι ανάμεσα σε οπτικές απατηλές εντυπώσεις, καθρέφτες, υπερμεγέθη αντικείμενα και πολύχρωμες εγκαταστάσεις, αναζητώντας διαρκώς την κατάλληλη γωνία, τη σωστή πόζα ή την ιδανική στιγμή για να τραβήξεις ένα βίντεο. Αυτοί οι χώροι σχεδιάζονται ειδικά για να συμμετέχεις ενεργά, ενώ οι εικόνες που δημιουργούνται μέσα σε αυτούς είναι κατασκευασμένες για να ταξιδεύουν αστραπιαία στις οθόνες εκατομμυρίων χρηστών. Η λέξη «μουσείο» τους προσφέρει μια θεσμική αίγλη, ενώ στην πραγματικότητα η όλη εμπειρία δομείται γύρω από το παιχνίδι, την κοινωνική αλληλεπίδραση και την απόλαυση του να φωτογραφίζεσαι μέσα σε ένα ασυνήθιστο περιβάλλον.
Δεν υπάρχει τίποτα κακό σε αυτό, καθώς οι άνθρωποι πάντοτε αναζητούσαν την ψυχαγωγία και την απόδραση στους πολιτιστικούς χώρους. Ωστόσο, γεννάται το ερώτημα τι είδους εμπειρία προσφέρουν τελικά αυτοί οι χώροι, ειδικά όταν το μουσείο μετατρέπεται σε ένα έτοιμο format ψυχαγωγίας και η φωτογραφία γίνεται ο κύριος τρόπος επικοινωνίας του τι συμβαίνει στο εσωτερικό του. Στο museum of illusions, για παράδειγμα, το ίδιο σου το σώμα είναι απαραίτητο για την ολοκλήρωση του εφέ, αφού η προοπτική και οι καθρέφτες αποκτούν νόημα μόνο όταν μπει κάποιος στο πλάνο. Η εμπειρία ολοκληρώνεται μέσα από μια διαρκή ανταλλαγή ανάμεσα στον χώρο, το σώμα και την κάμερα: μπαίνεις στην οπτική απάτη, εκτελείς το δικό σου performance, φωτογραφίζεσαι και η εικόνα σου γίνεται μέρος της ιστορίας που θα προσελκύσει τον επόμενο επισκέπτη.
Διάβασε επίσης: Το χαμένο αριστούργημα των 180 εκατομμυρίων – Ο αόρατος πίνακας του Van Gogh στο Hong Kong
Την ίδια στιγμή, ένα νέο κύμα εμβυθιστικών εκθέσεων (immersive exhibitions) βασισμένων σε διάσημους καλλιτέχνες κατακλύζει τις μεγαλουπόλεις του κόσμου. Περιοδεύουσες παραγωγές παίρνουν τα έργα του Vincent van Gogh, του Claude Monet ή της Frida Kahlo και τα μετατρέπουν σε γιγαντιαία προβαλλόμενα περιβάλλοντα, περιβάλλοντας τους επισκέπτες με κινούμενες εικόνες, μουσική και animation. Πρόκειται για πίνακες που οι περισσότεροι γνωρίζουν ήδη από βιβλία και οθόνες, οι οποίοι τώρα μεγεθύνονται μέχρι να γίνουν αρχιτεκτονικά στοιχεία, καλώντας σε να περπατήσεις κυριολεκτικά μέσα τους. Αν θέλεις να μάθεις τι κερδίζουμε και τι χάνουμε όταν η τέχνη μετατρέπεται σε ένα διαδραστικό format, συνέχισε να διαβάζεις.
Η εξαφάνιση της υλικότητας και η αλλαγή της σχέσης με τον χρόνο
Όταν ένας πίνακας όπως το The Starry Night του Van Gogh μετατρέπεται σε μια κινούμενη προβολή που καλύπτει ολόκληρους τοίχους, τα φυσικά χαρακτηριστικά του πρωτοτύπου εξαφανίζονται εντελώς. Οι πινελιές, το πάχος του χρώματος, η υφή του καμβά και οι μικρές χρωματικές διακυμάνσεις που γίνονται ορατές όταν στέκεσαι κοντά στο πραγματικό έργο δεν είναι πλέον διαθέσιμες. Παράλληλα, οι διαστάσεις του έργου αλλοιώνονται, χάνοντας την κλίμακα που είχε επιλέξει ο ίδιος ο καλλιτέχνης όταν το δημιουργούσε. Επιπλέον, ένας πίνακας διαθέτει τον δικό του εσωτερικό χρόνο, παραμένοντας ακίνητος ώστε ο θεατής να αποφασίσει πού θα κοιτάξει, τι θα παρατηρήσει και πόσο θα σταθεί μπροστά του. Στις εμβυθιστικές προβολές, όπου ο ουρανός κινείται, οι λεπτομέρειες εμφανίζονται και εξαφανίζονται, το φως αλλάζει και η μουσική καθοδηγεί το συναίσθημα, η σχέση αυτή ανατρέπεται. Η εμπειρία γίνεται εντυπωσιακή, αλλά σε καλεί να καταναλώσεις το έργο μέσα από την ατμόσφαιρα και την κίνηση, αφήνοντας πίσω την ήσυχη, προσωπική πράξη της παρατήρησης.
Πώς ο τρόπος κοινοποίησης διαμορφώνει τον ίδιο τον σχεδιασμό των εκθέσεων
Το περιοδεύον μοντέλο αυτών των εκθέσεων ταιριάζει απόλυτα με τον τρόπο με τον οποίο η πληροφορία κυκλοφορεί στο διαδίκτυο. Μια φωτογραφία ενός επισκέπτη που στέκεται κάτω από μια γιγαντιαία προβολή του Monet λειτουργεί ταυτόχρονα ως σουβενίρ για τον ίδιο και ως πρόσκληση για κάποιον που βλέπει την έκθεση μέσα από την οθόνη του κινητού του. Αυτή η λογική επηρεάζει πλέον άμεσα και τον ίδιο τον σχεδιασμό των πολιτιστικών χώρων. Οι αίθουσες διαμορφώνονται γύρω από συγκεκριμένες οπτικές γωνίες, οι εγκαταστάσεις εξαρτώνται από το πού θα σταθεί ο επισκέπτης και κάθε αλληλεπίδραση σχεδιάζεται με γνώμονα το πώς θα φαίνεται σε μια φωτογραφία ή ένα βίντεο. Ο επισκέπτης, επομένως, δεν βιώνει απλώς τον χώρο, αλλά ταυτόχρονα παράγει τη σημαντικότερη αναπαράστασή του που θα κυκλοφορήσει στον ψηφιακό κόσμο.
Η θόλωση των ορίων ανάμεσα στο μουσείο, την εκπαίδευση και την ψυχαγωγία
Η δημοφιλία αυτών των θεαμάτων είναι εντυπωσιακή επειδή αποδεικνύει ότι η έννοια του «μουσείου» παραμένει εξαιρετικά ελκυστική ως πολιτιστικό format, ακόμη και όταν δεν υπάρχει καμία μόνιμη συλλογή στο επίκεντρό της. Ωστόσο, η λέξη «μουσείο» φέρει ιστορικά συγκεκριμένες προσδοκίες, όπως τη διατήρηση, την έρευνα, την εκπαίδευση και την αυθεντική επαφή με αντικείμενα που φέρουν τη δική τους ιστορία. Όταν πολύ διαφορετικές εμπειρίες βαφτίζονται συλλήβδην «μουσεία», η διάκριση ανάμεσα στην ουσιαστική καλλιτεχνική συνάντηση και την απλή ψυχαγωγία γίνεται λιγότερο σαφής. Μια εμβυθιστική έκθεση ή ένα museum of illusions μπορούν να προσφέρουν μια εξαιρετικά ευχάριστη και προσεγμένη εμπειρία, αλλά μόλις κατανοηθεί η οπτική απάτη και βγει η φωτογραφία, αφήνουν πολύ λιγότερο χώρο για περαιτέρω αναζήτηση και σκέψη.
Διάβασε επίσης:
Δείτε το πλήρες άρθρο στο mad.gr →